La rubrique “L’objet en question(s)” présente des portraits d’objet ou de séries d’objets, par leurs créateurs : l’histoire de leur genèse, leurs contraintes, leurs enjeux… C’est le designer Franck Magné qui nous présente aujourd’hui sa nouvelle solution « Arrêt minute » qui sera dévoilée durant la prochaine édition de la Biennale Internationale Design Saint-Étienne. Son projet d’équipement urbain est une borne de stationnement et sécurisation ultra rapide des vélos et trottinettes, pour permettre aux cyclistes un accès spontané aux commerces de proximités.

Interview :

Pourriez-vous nous décrire votre projet en quelques mots ?

Arrêt Minute offre une fonction inédite de stationnement et sécurisation ultra rapide des vélos et trottinettes pour offrir à leurs utilisateurs un accès spontané aux commerces de proximité. Concrètement ce mobilier permet de stationner les deux roues et propose un système de câble gainé et de serrure à code unique pour les sécuriser.

Comment ce projet vous a-t-il été confié ?

Ce mobilier a été pensé durant la période de crise sanitaire qui a dopée la pratique du vélo dans les villes françaises. Cette période a également mis en relief l’importance pratique et sociale des commerces de proximité. Or le stationnement actuel d’un vélo pour une course rapide (boulangerie, épicerie, tabac, presse, pharmacie …) peut manquer de praticité au regard de l’éloignement des parkings vélo, de la complexité et du temps de verrouillage avec son antivol personnel. D’autre part les services de location de vélos ou trottinettes se développent fortement et le stationnement courte durée d’un vélo ou d’une trottinette loué en free-floating équivaut souvent à une fin de location, ce qui de facto limite l’accès spontané aux commerces de proximité pour leurs usagers.

Quels étaient, selon vous, les principales contraintes et les principaux enjeux de ce projet ?

Comme souvent dans l’espace public, nous sommes à un point de rencontre entre les comportements sociaux, l’économie, les sujets environnementaux, la technique, l’usage…

Arrêt minute est positionné dans l’espace public, bénéficie à certains de ses usagers, profite aux commerçants de proximité. Nous l’avons pensé accessible en terme de prix et avons dû développer une approche Design to cost. En termes d’usage, la principale contrainte était de disposer d’un système de verrouillage simple, fiable sans faire appel à une clé, accessible à tous y compris sans smartphone et qui ne nécessite pas d’énergie.

En termes d’ergonomie, l’enjeu était de pouvoir accueillir vélos et trottinettes tout en offrant des surfaces d’appui bienveillantes pour leurs peintures.

Dans le rapport à l’espace urbain nous avons souhaité extraire arrêt minute d’une esthétique technoïde pour en faire une sorte d’arbre fonctionnel.

Frise de l’évolution du projet, selon les contraintes d’ergonomie, de coût, d’émissions CO2 induites.

Quel était votre concept ou votre idée de départ ?

En un mot : la barre de bois sur laquelle Lucky Luke attache Jolly Jumper lorsqu’il arrive au Saloon !

Toutefois la métaphore s’arrête là, dans mon idée les Dalton ne sont pas dans le saloon.

Pourquoi le projet a-t-il, au final, cette forme et ce ou ces matériaux ?

L’architecture produit en tripode s’est imposée car elle offre une belle stabilité, ce qui peut être un atout dans des environnements urbains contraignants dans lesquels des scellements profonds sont complexes. Elle offre également plusieurs dispositifs possibles pour stationner des deux roues et c’était notre volonté de ne pas imposer un mobilier directif comme peut l’être un atelier à vélos mais de proposer un mobilier de stationnement appropriable par chacun selon le type de 2 roues. Enfin, cette configuration permet également de disposer la partie technique en partie haute, où elle fait alors office de panneau et offre une bonne ergonomie d’accès au verrouillage et déverrouillage. Le matériau principal est un bois massif local PEFC associé à de la feuille d’acier laquée.

Qui étaient vos interlocuteurs chez votre client, et avec qui avez-vous du collaborer ?

Chez Objets publics nous sommes à la rencontre entre design et industrie. Nous avons la chance de pouvoir faire des propositions, à notre initiative. Nous l’avons fait avec le distributeur de gel Gabriel au cœur du premier confinement lorsqu’un fort besoin c’est fait sentir et que nos PME partenaires étaient à 50% d’activité. Arrêt minute est le deuxième opus de cette démarche que nous avons appelé « design action ». Elle ne répond pas à une logique de commande mais plus à une expression sur un sujet sociétal avec l’idée d’une réponse rapide et, comme toujours chez nous d’une fabrication française.

Au total, combien de personnes ont travaillé sur ce projet ?

4 personnes chez Objets publics ont été impliquées dans ce projet sur les aspects design et technique ainsi que trois sous-traitants sur les parties métal, peinture et bois.

Quelles sont les difficultés que vous avez éventuellement rencontrées sur ce projet, et comment les avez-vous contournées ?

Cela peut paraître aujourd’hui assez anachronique de penser un système purement mécanique. Nous avons voulu un système simple et résilient. Cela nous a imposés de trouver une solution de verrouillage peu commune. Nous sommes parvenus à identifier un modèle de serrure qui pour nous est un petit bijou mécanique : une serrure à code qui permet à chacun de composer un code unique. Après chaque usage le code est réinitialisé. Le tout 100% mécanique ! L’enjeu a été d’adapter cette serrure à la fonction attendue de verrouillage des deux roues.

Sur combien de temps s’est déroulé ce projet ?

La conception et les tests de principe se sont déroulés sur plus de 3 mois. Le test de fonctionnement est prévu sur plus de 2 mois, au total le déroulement du projet s’étale sur 6 mois entre les premières réflexions et un premier de série.

Rétrospectivement, changeriez-vous aujourd’hui quelque chose à votre projet ?

Nous avons déjà adapté certains assemblages dans une logique de réduction des coûts, pour le reste il est trop tôt pour se prononcer, nous serons très attentifs à la phase de test d’usage afin d’en tirer les enseignements.

Et pour finir, où en est ce projet ?

Le projet en est au stade du prototype et sera installé dans l’espace public stéphanois à la faveur de la bien nommée opération « Banc d’essai » lors de la Biennale internationale de design de Saint-Etienne. Ce sera l’opportunité de tester la proposition en situation réelle d’usage et de faire un relevé d’observation afin d’améliorer ou d’optimiser ce qui peut et demande à l’être.

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Photographies : © Objets publics / Design Franck Magné

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18000 sommiers ont donc été fabriqués en carton recyclé, tandis que les matelas modulaires sont fabriqués à partir de fibres de polyéthylène. Un matériau qui, selon Airweave, peut être recyclé à l’infini. L’ambition était de créer des solutions de couchage extrêmement légères et faciles à assembler afin de garantir un transfert rapide et efficace des lits entre les différents sites olympiques. Le matelas est composé de trois blocs distincts – un pour soutenir la tête et les épaules, un pour soutenir la taille et un pour soutenir les jambes. Ainsi, les athlètes pourront personnaliser leur matelas pour l’adapter à leur morphologie. Ces lits et matelas seront utilisées durant les jeux olympiques puis paralympiques, avant d’être donné à des associations.

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L’idée de Koffy est de permettre au travailleur de s’isoler où qu’il se trouve pour conserver sa concentration et son intimité. Pour se faire, le designer a cherché à « dessiner une forme qui soit évidente ! ». La cloisonnette est fabriquée à partir de panneaux de feutre. Un matériau écologique et acoustique qui est issu du recyclage de bouteilles en plastique PET. En rainurant les plaques ainsi découpées, il est possible de plier et de déplier Koffy pour le ranger à plat après utilisation. Un autre avantage de cette matière est qu’elle est facilement lavable et qu’il est possible de la désinfecter. Un atout de poids durant cette période de pandémie. Le designer a ajouté à sa création des petits détails bien pensés, comme une fine découpe pour permettre de laisser passer le fil de l’ordinateur, ou le trou pour la suspendre.

Sur le plan formel, le designer a été « inspiré par le dessin fait par les îles sur l’horizon, j’ai cherché à reproduire cette impression de cloisonnement où le paysage et les grands espaces sont des lieux de méditation, de concentration… d’inspiration. D’où « Koffy » qui reprend le nom des îles Koh-phy. »

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Des créations minimales qui s’inviteront dans les espaces du musée dans les semaines à venir. Cette nouvelle collection n’aura pas vocation à venir remplacer les créations des artistes précédant, mais bien de venir compléter le mobilier déjà présent sur le site, à destination des visiteurs tout comme des agents de sécurité en charge de la surveillance des œuvres. Avec ces trois pièces d’une sobriété presque monacale, l’accent a été mis sur l’ergonomie, la durabilité et l’intemporalité. L’idée était aussi de ne pas interférer avec les œuvres en créant des pièces discrètes mais singulières.

A propos de ce projet, le designer Martin Szekely déclarait : « C’est la sculpture égyptienne du roi Khéphren assis sur son trône qui a inspiré les trois modèles de meubles proposés et notamment le siège de l’agent d’accueil. […] Il est difficile de déterminer qui, du roi ou du trône, donne à l’autre cette posture digne et solennelle. Plus qu’un simple siège de repos, il confère d’emblée un statut particulier à l’agent d’accueil. Le regard est le premier contact avec les meubles : des formes claires, calmes et d’une construction lisible. De part la simplicité et la dimension archétypale qui s’en dégage, ceux-ci s’intègrent aisément avec l’environnement muséographique sans interférer avec les œuvres exposées. Chaque meuble est pensé dans son autonomie, en adéquation avec son usage. Ses composants sont réduits au minimum et assemblés dans une logique constructive rigoureuse. Le multiplis de bois massif en forte épaisseur, révélé par le brillant de l’acier inoxydable des vis d’assemblage, leur confère un air de famille. « 

Photographies : © Fabrice Grousset

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Pourriez-vous nous décrire votre projet en quelques mots?
Il s’agit d’une installation immersive pour les fêtes de fin d’année. C’est une interprétation expérientielle du fameux sapin de Noël, pour la ville de Saint-Pétersbourg et le musée d’art Moderne.

Comment ce projet vous a-t-il été confié?
La I-Gallery Intelligence, dirigée par Olga Khlopova et sous la supervision artistique de Nina Ryzhkova, m’ont contacté en milieu d’année, juste après le confinement pour me demander si j’étais intéressé pour participer en tant que designer d’honneur à une exposition thématique « En face et derrière le miroir » au musée des arts modernes. Je devais y présenter mon travail plastique sur mes projets, recherches et dernières installations immersives. Dans la foulée, la directrice du Musée, Marina Jigarkhanyan a souhaité que je propose un sapin de Noël. J’avoue que dans un premier temps, je n’étais pas à l’aise avec l’idée d’un objet décoratif et emprunt d’une certaine théologie. Après un premier refus et divers échanges j’ai proposé de travailler sur des projets d’installations immersives évoquant l’arbre de Noël, trois projets furent présentés.

Quels étaient, selon vous, les principales contraintes et les principaux enjeux de ce projet?
L’objectif était de s’inscrire dans la magie de noël avec une installation dont l’impact positif et populaire serait autant palpable qu’avec un vrai arbre. L’enjeu était de moderniser la vision très traditionnelle voir attendue d’un arbre de noël et de réussir à capter l’attention par un système immersif pour transmettre une nouvelle manière de voir et d’expérimenter le roi des forêts. La situation sanitaire actuelle a rendu la mise en place du projet bien évidemment complexe, avec des échanges distanciels avec le musée et la galerie par écrans interposés, des rendez-vous de visites atelier et des maquettes expliquées par WhatsApp, des discussions techniques et d’effets qui ne s’ancraient dans aucune matérialité physique. Tout cela a créé une temporalité de développement projet aussi diluée dans le temps qu’urgent sur certains points. La contrainte météorologique parfois extrême de la ville devait également être prise en compte.

Quel était votre concept ou votre idée de départ?
La première démarche était d’identifier la problématique et la demande de ce projet qui était un peu particulier pour le studio, spécialisé en création immersive. Le concept a été dessiné dans la hâte car nous avions une problématique de temps et de décideur face à nous. L’idée n’a que très peu évolué dans sa matérialisation : il fallait à tout prix s’inscrire dans les codes et signifiants de l’arbre de noël; sa forme, couleur, son imaginaire projeté, son lieu commun, ses lumières… Puis très rapidement je voulais donner à voir uniquement l’archétype géométrique : un cône, doté d’un revêtement facetté innovant.

Pourquoi le projet a-t-il, au final, cette forme et ce ou ces matériaux?
Nous avons appliqué sur des plaques de verre miroir issue des déchets de l’architecture, un film polarisant de couleur émeraudes, réagissant à la lumière du jour, s’opacifiant par moment, permettant une qualité translucide qui allait rendre l’objet atypique, curieux et quasi sûr-réel, on avait parfois l’impression d’une 3D brute tellement l’aspect matière faisait fiction. Le véritable rendu a été découvert une fois monté dévoilant une nature différente de jour où l’installation reflète et déstructure son environnement, mais également de nuit, ou celui-ci n’apparaît plus qu’en silhouette d’un sombre vert, qui transparait un jeu kaléidoscopique de lumière scintillante.

Nous aurions voulu apporter plus de finesse dans la qualité lumineuse, mais le manque de temps et de budget en avait décidé autrement, et au final ce n’est pas plus mal car dans la pénombre, elle raccroche l’œuvre dans une transcription plus proche de ce qu’on imagine être un sapin de noël.

Qui étaient vos interlocuteurs chez votre client, et avec qui avez-vous du collaborer?
La collaboration de développement s’est faite pendant le second confinement (la demande avait été initiée à la sortie du premier déconfinement). Principalement un huit clos entre la directrice du Musée, la galerie, et le technicien sur place, responsable des productions du centre d’art.

Au total, combien de personnes ont travaillé sur ce projet?
Je travaille souvent seul sur ce genre d’installation, car il fallait être extrêmement personnel et réactif étant donné la situation et la typologie du projet. Néanmoins, le studio oscille entre 2 et 5 collaborateurs selon la complexité des projets (entre design d’édition et de galerie, expérience retail pour les marques de luxe, et installation urbaine). Actuellement le studio s’agrandit et sa famille également.

Quelles sont les difficultés que vous avez éventuellement rencontrées sur ce projet, et comment les avez-vous contournées?
La plus grande difficulté a été de convaincre un client de passer d’un sujet classique de décoration de fête de fin d’année à un projet d’art immersif, tout en contrôlant le budget, la rigueur et la qualité de production par réunion zoom…

Sur combien de temps s’est déroulé ce projet?
Il y a eu plusieurs phases d’échanges et discussions sur quoi faire, puis de motiver les interlocuteurs sur la création de sens plutôt que le décoratif. Puis la proposition a dû être fait en une journée pour la présenter le lendemain à tous les partenaires en comité. Le développement et la production auront duré 5 semaines.

Rétrospectivement, changeriez-vous aujourd’hui quelque chose à votre projet?
J’aime voir et comprendre le moindre détail, avoir une claire vision de la maîtrise du sujet et pouvoir si besoin prendre le contre-pied. La distance et la langue, ainsi que la différence culturelle m’ont appris à faire pleinement confiance en passant par une communication saine et un engagement sans faille. L’équipe était au top et le résultat est parfait.

Et pour finir, où en est ce projet?
Je vous donne rendez-vous au musée d’Art Moderne de Saint-Pétersbourg, jusqu’au 31 janvier, 103 quai Griboyedov. Et bientôt à Shanghai, pour ma seconde installation immersive permanente dans la ville FRACTAL… stay tuned.

Photographies : © Natalia Boikova

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